Art & Nous

DONATELLO, Au-delà de la Renaissance

Donatello, il Rinascimento

Cœur battant du laboratoire florentin, Donatello invente un langage humaniste parmi les plus féconds du Quattrocento. Présentée cet été à Florence, l’exposition Donatello, il Rinascimento lui reconnaît sa valeur. Elle fera escale à Berlin à l’automne, puis à Londres en 2023.

De la scène de Saint Georges et le dragon[1] jusqu’aux chaires de San Lorenzo, réalisées dans les années 1460, Donatello explore plusieurs manières d’utiliser quelques millimètres d’épaisseur à peine, pour creuser la profondeur, introduire le mouvement et travailler l’expressivité. Le sculpteur se fait presque dessinateur mais le graphisme reste indissociable des effets de lumière sur la texture du marbre ou du bronze doré. La virtuosité du ciseau démarque son travail de la peinture.

Autre révolution « donatellesque » : l’intégration de la perspective, une invention initialement théorisée par son aîné et ami Brunelleschi et destinée aux peintres, pour construire un espace mental et commensurable. Comme l’explicitent le catalogue et l’exposition elle-même, c’est paradoxalement un sculpteur, celui-ci et pas un autre, qui a été le tout premier passeur de cette méthode géométrique en peinture ! Donatello en a fait une étonnante diversité d’usages, au-delà de la symétrie et du point de fuite mono-focal. Parce qu’il pense toujours ses œuvres in situ, attentif à l’inclusion et la proximité avec le spectateur. Au Banquet d’Hérode [1], le point de vue surplombe très légèrement le sol et la table du festin au premier plan, puis se redresse dans deux arrière-plans, le spectateur est ainsi intégré au cœur du drame. La Madone dite Pazzi[2] s’inscrit dans un carré quasi-parfait à angles droits, mais l’encadrement de marbre déplace le point de fuite en léger « sotto in sù ». Aux portes de San Lorenzo, l’espace dépend cette fois du plan horizontal sur lequel deux personnages viennent saillir, la crédibilité de la profondeur repose sur le seul contraste entre la surface vide au centre et les figures latérales. Les lignes et la géométrie mathématique insufflent une amplitude nouvelle aux bâtis architecturaux comme aux paysages. A l’intérieur ou à l’appui de ce cadre rigoureux, il libère le mouvement et une expressivité de plus en plus criante.

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[1] 1423-1427, Baptistère de la cathédrale de Sienne

Illustration : Vierge à l'enfant, dite Madone Pazzi, Vers 1445, Bode Museum, Berlin

 

[1] Commandé par la confrérie des armuriers, Orsanmichele, Florence

Nos corps vus par les artistes aujourd'hui : la fragilité et la confiance à l'oeuvre

(Walk on Clouds, 2019, installation vidéo)

Sur la scène artistique, la recherche s’intensifie elle aussi, mais en sens inverse : nos fragilités corporelles, mises à nu, ne présentent plus la quête d’une nouvelle perfection. Déstabilisé et incertain, le corps se cherche de nouveaux appuis. On pourrait s’étonner que ni l’abstraction ni l’art conceptuel n’aient évacué l’intérêt pour la figure humaine pendant le XXe siècle. Au contraire, la question travaille ardemment le champ de la création. Que les moyens employés soient matériels ou immatériels, le corps se regarde sous des angles inédits, souvent déroutants, pas toujours confortables.

(...) Nos gestes, nos perceptions, notre espérance de vie, nos modes de relations, et même nos morphologies n’ont cessé de se transformer sous l’effet de facteurs en cascade : moyens de transports, machine, cohabitation urbaine, vie nocturne, outils de communication, retrait du référentiel chrétien etc.

(...)

Le corps en mouvement touche immanquablement ses limites, Icare s’en souvient, tout comme Abraham Poincheval et sa vidéo Walk on clouds. Pas de triche sur le prosaïsme technique de la video, « c’est anti-spectaculaire » dit l’artiste, dérisoire presque. Il utilise un ballon, un appareillage aussi rudimentaire que des ailes de cire. Suspendu dix mètres plus bas, l’artiste ne vole pas. Porté par le vent, il marche simplement sur l’horizon, à la lisière des nuages. Le temps d’une quinzaine de minutes à le voir enjamber le vide, nous faisons avec lui l’expérience d’un « petit miracle » : faire l’équilibriste au seuil du ciel. Le pas flottant a l’allure hésitante et maladroite d’un premier pas. Celui de l’enfant qui tâtonne et cherche ses repères dans un monde inconnu. 

L’injonction à la performance (physique cette fois) est levée, l’artiste « performe » la libération du corps, conscient de son échelle, sans commune mesure avec son environnement. L’Homme de Vitruve n’est plus au centre du monde. Et au passage, en prenant forme esthétique, l’ère anthropocène ne s’impose plus comme une apocalypse programmée.

ICI, Totalité de l'article

Aristide Maillol, la quête de l’harmonie, musée d’Orsay, Paris, jusqu’au 21/08/2022

A mains nues, MAC VAL, Vitry, jusqu’en septembre 2023

Hyperréalisme : ceci n’est pas un corps, musée Maillol, à partir du 8/09/2022

Aux frontières de l’humain, musée de l’Homme, jusqu’au 30 mai 2022

https://esprit.presse.fr/article/helene-mugnier/quels-corps-nous-inventent-les-artistes-aujourd-hui-44127

A l'écoute de quatre fossiles, nés il y a 50 millions d'années

Quatre fossiles

Bolca. Nuovi eccezionali ritrovamenti (23 septembre-24 octobre 2021, prolongée jusqu’au 31 octobre 2021), Museo civico di Storia naturale (Vérone, Italie)

Quatre fossiles en tout et pour tout, ont mis Vérone en effervescence cet automne. L’« extraordinaire importance et la beauté spectaculaire. »[1] de ces découvertes paléontologiques ont ému bien au-delà de la communauté scientifique. Une raie, un végétal et deux poissons pétrifiés ont revu le jour lors de la dernière campagne de fouilles en 2019-2020, à Bolca.

Les pétrifications véronaises se sont échangées dans toute l’Europe par fascination esthétique autant que zoologique et minéralogique. Les naturalistes ont longtemps cherché les mots pour les décrire : purs « jeux de la nature », formes modelées naturellement dans le sol, poissons nés d’œufs sous terre, témoins du Déluge biblique, véritables dépouilles momifiées ? Comment des « pierres figurées » si finement avaient-elles pu affleurer fraîches et pimpantes, sur le flanc de collines abruptes ? De Francesco Calzolari jusqu’à Goethe, ces précurseurs de la paléontologie les convoitaient comme pour y croire de visu. Face aux dernières trouvailles, le phénomène laisse tout aussi incrédule : par quelle chance inouïe les mouvements tectoniques et volcaniques ont-ils épargnés ces fossiles depuis leur genèse parfaite ? Ils posent tant de questions, livrent si peu de réponses que Roberto Zorzin s’en confie lui-même : « Je suis sûr que nous n’en verrons pas le bout ! ».

[1] Marrama, paléontologue à l’Université de Turin, spécialiste de la faune de Bolca, source date

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La condition d’esclave

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(Détail de l'affiche présentant l'exposition L'abîme - Nantes dans la traite atlantique et l'esclavage colonial, 1707-1830)
L’exposition L’Abîme. Nantes dans la traite atlantique et l’esclavage colonial (1707-1830), dirigée par Krystel Gualdé, documente de façon critique le rôle du port de Nantes dans le commerce triangulaire. Richement illustrée de tableaux, de gravures et de photographies, elle interroge nos idées reçues au sujet de la traite.

 

La pratique de l’esclavage, expérimentée par les Portugais dès 1444, s’est dotée d’un cadre légal dont on découvre quelques jalons dans l’exposition. Le Code noir en particulier, initié par Colbert en 1685, définit sur une même page la condition d’esclave comme « bien meuble »… ayant droit au baptême chrétien. Le paradoxe est patent entre esclave-objet et sujet. Le savoir est une chose, voir et lire l’édition originale sous les yeux en est une autre. L’impact implique d’emblée le visiteur.

(...)

Le visiteur transite vers une série de portraits plus modestes. Le dispositif visuel projette au sol et sur les murs des prénoms. Les recherches effectuées pour l’exposition ont établi la biographie de quelques esclaves ayant vécu à Nantes au XVIIIe siècle : employés, tonneliers, perruquiers, tisserands. Autant de parcours de vie que l’on rencontre, et de visages qui nous regardent. Ils ont été mis en apprentissage par leurs propriétaires nantais dans tous les métiers artisanaux associés au négoce d’import-export. Voilà des hommes et des femmes, insérés et évoluant dans la société, grâce à leurs compétences. La vie en esclavage, qu’on tenait comme lointaine et d’un temps révolu, se révèle beaucoup plus hétérogène. Travail forcé et docilité domestique n’en ont pas été les formes dominantes. Les archives manquantes sur tant d’autres individus, à jamais invisibilisés, disent aussi la violence du retrait, à tous, de leur humanité.

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Art contemporain: Rien à voir? Une autre expérience vivante de l'art

Que reste-t-il de l’art quand on ne le voit (presque) plus ?

Ubiquité du beau (Musée Calvet, Avignon, jusqu’au 30 septembre 2021) et How to disappear… (Collection Lambert, Avignon, jusqu’au 23 janvier 2022)

Dans l’exposition How to disappear…, la blancheur des espaces fait l’effet d’une provocation ou d’un malentendu. Le vide est aveuglant, l’exposition semble avoir disparu. Même le titre reste en suspens, How to disappear… ne dit pas s’il faut s’en inquiéter. Le fossé s’est manifestement creusé entre les œuvres et nous. Passer son chemin ou prendre la place, il faut choisir. L’effort vaut la peine de chercher ici ce qu’il reste de l’art quand sa matérialité visible est aussi ténue qu’un trait sur un mur (Sol Lewitt) ou une toile absolument vierge (Robert Ryman).

(...)

Dans le parcours d’How to disappear…, refait surface une inquiétude dérangeante née au début du XXe siècle face au Carré blanc sur fond blanc de Malévitch et à l’Urinoir de Duchamp : l’art ne répond plus à ce à quoi nous le reconnaissions jusqu’ici. Il ne fait jamais que semblant de disparaître. La diversité des pièces exposées lève alors ce doute lancinant : non, l’art n’est pas mort. S’il est passé par ici, il repassera par là.

 

https://esprit.presse.fr/actualites/helene-mugnier/que-reste-t-il-de-l-art-quand-on-ne-le-voit-presque-plus-43672